Film personale e sensibile, Sentimental Value, con il suo quartetto di protagonisti, mostra un passato e un presente in continuo dialogo e in continua rivisitazione: l’aiuto reciproco tra due sorelle che hanno percorso la vita una accanto all’altra senza mai demordere; un padre assente che nel suo silenzio cerca di mostrare quei sentimenti così a lungo rimasti incatenati dentro di lui e che ora non vogliono far altro che uscire; e una casa che ha visto generazioni su generazioni di questa famiglia cadere nella trappola dell’incomunicabilità. Assenza e incomunicabilità, infatti, sono i due poli tra cui Joachim Trier e Eskil Vogt si muovono, già a partire dalle inquadrature iniziali: un tema per la scuola scritto dal punto di vista della casa getta le basi per aiutarci a percorrere i corridoi di Sentimental Value.

Trier riprende in questo film alcuni temi toccati in La persona peggiore del mondo, il cui legame con Sentimental Value risulta palese già dalla scelta di riportare sullo schermo Renate Reinsve: l’attrice norvegese diventa ponte tra queste due elaborazioni vitali, creando una sorta di continuum narrativo. Il rapporto padre-figlia che nell’opera precedente Trier affrontava solo in modo marginale qui diventa prorompente: un trittico emotivo che mostra il peso generato dalla mancanza fisica e verbale di Gustav (Stellan Skarsgard) – vediamo l’impatto sia su Nora che Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) che Gustav in modo circolare. Errare è umano dice il detto ed ecco come da una serie di errori si è giunti a creare una montagna così alta che è difficile oltrepassarla, “non hai il diritto di preoccuparti per me” esclama Nora al padre. Eppure, Gustav vuole provarci. Un copione si fa ramo d’ulivo, ma quanto è difficile cercare di passare dall’altra parte! Talmente difficile da portare Gustav a scusarsi con Rachel Kemp (Elle Fanning), l’attrice americana che prende i panni di Nora.

La stessa Nora che sembra essere stata quella più segnata dall’assenza del padre, la figlia maggiore che ha dovuto – e voluto – farsi carico della sorella, prendendosene cura e cercando di darle il meglio che poteva nell’infanzia. E ora Agnes “ricambia il favore”: lei, nonostante tutto incisa dal dolore, è l’ago della bilancia che conduce verso un principio di dialogo. Forse una delle scene più intime, reali e grezze dell’intero film è proprio quella tra le due sorelle: “Perché la nostra infanzia non ti ha rovinato?” “Io avevo te” – possiamo vivere nella stessa casa, crescere con gli stessi genitori, non saremo mai uguali, ma ci saremo sempre l’una per l’altra. Sembra quasi banale riassumerlo così, eppure poche parole possono abbattere una diga. Soprattutto se le si unisce a una potente narrazione e a un utilizzo delle transizioni che parlano più dei momenti di dialogo.

Che gioia assistere a questo cinema intimo e reale. Può non essere sicuramente per tutti i denti, ma così come può esserlo qualsiasi film, qualsiasi opera d’arte: al di là dell’oggettivo apprezzamento di certe tecniche, della struttura della storia rimane sempre il sentimento. Solo l’opera che genera sentimento verrà portata dentro il cuore per il resto della vita. E Sentimental Value ne ha di valore sentimentale.

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“Famiglia” è forse uno dei primi termini con cui diventiamo famigliari nel corso delle nostre vite. Eppure, il suo significato per quanto universale è tutt’altro che univoco. In un mondo in cui oggi sulla famiglia si giocano diverse battaglie – anche e forse soprattutto politiche, Jim Jarmusch con Father Mother Sister Brother (vincitore del Leone d’oro a Venezia 82) decide di affrontare il concetto in modo interno ma tuttavia distaccato. Mostra un trittico di famiglie caratterizzato da peculiari modus operandi e tenuto insieme da continui rimandi tra un episodio e l’altro – il colore dei vestiti, i Rolex, Bob’s your uncle per citarne alcuni.

Nella prima parte, Jarmusch illustra la famiglia composta da Tom Waits, Adam Driver e Mayim Bialik, apice del disagio relazionale con un padre apparentemente sgangherato e fuori dal mondo e due fratelli distanti, una tensione che letteralmente si tagli in due – con un’ascia per di più. Si instaura un gioco di potere tra i tre: il fratello Jeff (Driver) si mostra come il premuroso della situazione credendo gli permetta di tenere il coltello dalla parte del manico, lo stesso pensa la sorella Emily (Bialik) tenendo un muro di distanza, ma nessuno dei due si rende conto che la persona che hanno davanti non è quella che sembra. Il padre non è l’uomo malridotto che pensano di salvare. Chi è veramente? Un figlio può davvero conoscere il proprio padre? Sono queste le domande che Jarmusch sembra porre prima di passare all’episodio successivo.

Nella seconda parte, incontriamo una madre e due sorelle che si riuniscono una volta l’anno per prendere il tè. Il disagio e l’imbarazzo sono taglienti anche in questo caso con una madre (Charlotte Rampling) castrante e ossessionata dall’ordine, una figlia maggiore (Cate Blanchett) mai cresciuta e in cerca dell’approvazione materna e una minore (Vicky Krieps) distante, ferma nel non farsi davvero conoscere. Il tutto viene incorniciato dal libro della matriarca, Boundaries of love, come a urlare per iscritto il distacco tra le tre donne. Qual è il significato di una relazione famigliare, quale forma può assumere, in quale modo può presentarsi?

Visivamente, sembra essere un campo-controcampo continuo, in cui lo sfondo che dovrebbe unire i due interlocutori si congiunge alla macchina da presa per dividerli. Eppure, ciò cambia nel trittico finale, caratterizzato dall’assenza genitoriale, dalla loro morte che lascia i due gemelli (i sister brother del titolo) a fare i conti con le conseguenze – liberare l’appartamento dei genitori, tornare bambini, essere avvolti dai ricordi. Questo è l’unico elemento del trittico che va oltre l’imbarazzo e il disagio, Indya Moore e Luke Sabbat portano in scena un legame fraterno, di complicità e amore completamente assente negli episodi precedenti, la cui distanza era talmente prominente da spingere Jarmusch a utilizzare ogni elemento possibile per mostrare il baratro emotivo tra i personaggi.

Dunque, la domanda che sorge è: che cos’è la famiglia? Tutto e nulla. Con questo film, Jarmusch colpisce nel modo in cui riesce a rappresentare crudamente e umanamente le sfaccettature dei rapporti famigliari, illustrando come la famiglia non sia una cosa unica e univoca, ma abbia una definizione diversa per chiunque vi sia dentro.

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I consigli di dicembre

È uscito il 24 novembre il nuovo film di Giorgio Verdelli, Rino Gaetano: sempre più blu, che ricorda uno degli artisti più originali del cantautorato italiano, tramite documenti inediti, appunti, taccuini privati e materiali d’archivio. Uscirà invece l’11 dicembre Gioia mia, il nuovo film di Margherita Spampinato, che ha catturato l’attenzione di molti al Festival di Locarno. Si tratta del ritratto dell’estate di un giovanotto che la passa con la zia lontano da tutte le moderne fonti di intrattenimento.

Lo stesso giorno esce The teacher, film sulla vita di un insegnante palestinese nella Cisgiordania occupata, in cui la regista Farah Nabulsi raffigura la prospettiva di un personaggio che si trova diviso tra l’impegno nella resistenza e la vita privata. Finalmente il 18 dicembre arriverà in sala l’atteso Father Mother Sister Brother di Jim Jarmusch, che a Venezia ha vinto il Leone d’oro, riscuotendo successo per la sincerità e l’originalità con cui ha messo in scena le dinamiche disfunzionali che spesso caratterizzano i legami famigliari.

Gli incontri di dicembre

Si parte l’1 dicembre con Virgilio Villoresi che presenta il suo Orfeo al Colosseo (h. 19:30) e con Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis e il loro Testa o croce all’Anteo Palazzo del Cinema (h. 19:30) e si conclude con Uzeda do it yourself di Maria Arena al Cinema Mexico (h. 21). Il 2 dicembre è la volta di Ambra Sabatini a CityLife Anteo (h. 19:45) con la protagonista Ambra Sabatini e il regista Mattia Ramberti.

Mentre il 3 dicembre ci sarà Eleonora Danco all’Anteo Palazzo del Cinema per presentare N-Ego (h.21:30). Il 4 dicembre arrivano Margherita Spampinato con Gioia mia all’Anteo Palazzo del Cinema (h. 19:30) e Federico Iris Osmo Tinelli con Le due sponde del fiume al Cinema Beltrade (h. 22).

L’11 dicembre è la volta di Semplice cliente con Alessio De Leonardis a CityLife (h. 19:40) e Radio solaire al Cinema Beltrade (h. 21:30) con i registi Federico Bacci e Francesco Eppesteingher. Sempre al Cinema Beltrade, il 14 dicembre arriva Shih-Ching Tsou con La mia famiglia a Taipei (h. 21). Il 15 e il 16 dicembre sono dedicati a Lech Kowalski al Cinema Mexico con la proiezione di East of Paradise e Story of a Junkie (h. 20:30) e la masterclass tenuta dal regista. Infine, il 18 dicembre ci sarà Primavera all’Anteo Palazzo del Cinema (h. 15).

Per quanto riguarda i festival, invece, non perdetevi Noir in Festival, dedicato al cinema e alla letteratura noir, che si terrà dall’1 al 6 dicembre.

Non dimenticate di dare un’occhiata alla nostra pagina Instagram per non perdere gli ultimi aggiornamenti!

Zvanì - Labirinti - Bugonia - Dracula: l’amore perduto

I festival

Con novembre inizia un periodo dedicato ai festival cinematografici. Si parte con Oltre lo specchio dal 6 al 12 novembre, che porta sullo schermo “il lato oscuro del cinema di genere”: film horror, fantascientifici, thriller e fantastici divisi nelle categorie di concorso, newcomers e fuoriconcorso. Il costo dell’abbonamento è di 30€ (25€ il ridotto), mentre i biglietti singoli sono 6/7€ a seconda dell’orario della proiezione.

L’8 novembre invece inizia Piccolo Grande Cinema, il festival dedicato ai giovani organizzato da Cineteca Milano: incontri, masterclass e tantissime anteprime vi aspettano dall’8 al 16 novembre tra le sedi dell'Arlecchino, MIC e Metropolis. Grande novità di quest’anno è l’Abbonamentone: Piccolo Grande Cinema, Filmmaker Fest e Noir in Festival si uniscono e vi offrono un abbonamento unico per partecipare a tutti e tre i festival al costo di soli 45€! In pratica, potrete assistere a tutte le proiezioni dall’8 novembre al 6 dicembre con questo abbonamento.

Filmmaker Fest inizia il 15 novembre e come ogni anno porterà sugli schermi milanesi il cinema documentario internazionale, sperimentale e di ricerca.

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Dal 14 novembre in Triennale, invece, ci saranno gli appuntamenti di SLAM - Sounds like a movie, festival internazionale dedicato alle colonne sonore. Ci saranno proiezioni e incontri con i realizzatori delle colonne sonore di film come The Brutalist o ancora incontri con i registi.

Gli incontri

Con gli incontri si parte dal 3 novembre con Sulla terra leggeri all’Anteo Palazzo del Cinema alle ore 19:30 con la regista Sara Fgaier. Successivamente è la volta della rassegna Indocili al Cinema Beltrade, il 4 novembre dalle ore 22. Seguono il 5 novembre all’Anteo Palazzo del Cinema Anna (ore 20) con Monica Guerritone e Afrodite (ore 21:15) con il regista Stefano Lorenzi e Ambra Angiolini, mentre a CityLife ci sarà Io sono Rosa Ricci alle ore 21:30 con la regista Lyda Patitucci, Maria Esposito e Raiz.

Il 6 novembre Piero Pelù all’Anteo Palazzo del Cinema alle ore 20 con il regista Francesco Fei e Piero Pelù. Il 9 novembre Andrea Segre presenta Noi e la grande ambizione al Cinema Beltrade ore 21:30. L’Ariosto Anteo ospita Giro di Banda l’11 novembre alle ore 19 con il regista Daniele Cini e Cesare Dell’Anna. Mentre all’Anteo Palazzo del Cinema il 12 novembre è la volta de Il Maestro alle ore 21 con il regista Andre Di Festano, Pierfrancesco Favino e Edwige Fenech.

Gli ultimi incontri (per ora) sono all’Anteo Palazzo del Cinema il 17 novembre con Allevi - Back to life ore 19:30 con Giovanni Allevi; Storia di un riscatto ore 20 con il regista Stefano Odoardi, Giuseppe Vinci e Paolo Costantini e il 26 novembre con Felix - dare to dream alle ore 21:15 con i registi Morgan Bertacche e Valerio Bariletti.

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Yorgos Lanthimos torna anche quest’anno sul grande schermo, portando avanti la prolifica collaborazione con Emma Stone: ormai quattro sono i film realizzati insieme, da La Favorita del 2018 a Bugonia, in concorso all’ultima edizione del Festival di Venezia. La storia si concentra su due figure principali e contrastanti: da una parte Michelle (Emma Stone), CEO di una grande azienda, e dall’altra Teddy (Jesse Plemons), lavoratore qualunque, che nel tempo libero si diletta come apicoltore e complottista. L’assurda visione del mondo di Teddy lo porta a credere che Michelle sia un’aliena, pronta a sterminare la razza umana, così come le multinazionali stanno facendo con le api, avendo come risultato la fine della vita del pianeta Terra. E, quindi, che cosa fare se non rapirla e cercare di farsi portare sulla navicella madre per salvare se stesso e il suo compare Don (Aidan Delbis), personaggio che conclude il trittico ristretto degli interpreti?

Bugonia affonda le sue radici nell’antica letteratura romana, riprendendo l’episodio del quarto libro delle Georgiche di Virgilio con protagonista Aristeo, un apicoltore cui morivano le api, e lo collega alla Sindrome dello spopolamento degli alveari, riscontrata nei primi anni 2000 nel Nord America e che comporta la brusca morte delle api. Questi piccoli insetti rimasti senza una regina che li guidi si fanno metafora di una popolazione umana abbandonata a se stessa, circondata solo da ciò che la distrugge: in primis le multinazionali e le case farmaceutiche. Attraverso le idee complottiste di Teddy, Lanthimos affronta una critica tutt’altro che velata a un’umanità che si sta uccidendo da sola in nome del dio denaro, quando i veri déi che potrebbero salvarla vengono letteralmente cacciati dal pianeta.

Mostrando Michelle e Teddy agli antipodi della società americana, Lanthimos rende visivamente la divisione capitalista tra ricchi e poveri, tra chi può permettersi le cure nel momento della malattia e chi è costretto a perire; tra chi può decidere se recarsi al posto di lavoro e non subire alcuna conseguenza se non vi si presenta e chi deve esserci nonostante il dolore e le ferite recate dagli stessi macchinari che deve usare per far guadagnare l’azienda.

Con questa commedia cupa Lanthimos sembra abbandonare sempre di più le sue origini vicine al grottesco, se non certe volte al puro splatter, rendendo visivamente meno impattante quella grammatica cinematografica che caratterizzava il suo cinema greco e primo-hollywoodiano: il passo che troviamo tra Dogtooth (2009) e Bugonia è infinito. Certamente ha seguito una linea evolutiva necessaria, che altrimenti lo equivarrebbe a crearsi una macchietta di se stesso come purtroppo è arrivato a fare Wes Anderson, eppure al contrario di quest’ultimo è riuscito a compiere il passo successivo coerentemente secondo una linea e un progetto per cui aveva già messo le basi nei film precedenti, soprattutto con Kind of Kindness.

Una serie di progetti che senza la magistrale interpretazione di Emma Stone probabilmente non avrebbero lo stesso impatto: la fisicità corporea dell’attrice americana, il modo in cui modula la voce per rendere tutte le sfumature del suo personaggio - dal nascondersi al rivelarsi, tutto concorre a mostrare come Stone sia davvero una delle migliori attrici che troviamo nel panorama cinematografico. Difficile però dire se questa interpretazione le farà guadagnare l’ennesima nomination ai premi Oscar.

Bugonia di Yorgos Lanthimos è da oggi 23 ottobre al cinema!

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Presentato alle Giornate degli Autori durante Venezia81 (2024), Labirinti giunge a Milano per un’imperdibile incontro già sold-out con il regista Giulio Donato. Il film si pone a metà tra reale e sogno in un paese della Calabria, dove i due amici Francesco e Mimmo hanno intrapreso strade differenti. Un coming of age che mostra i ragazzi alle prese con la scoperta della sessualità in un contesto chiuso e stretto, un film che va oltre le convenzioni. Noi abbiamo incontrato Donato per intervistarlo.

Da quando hai avuto l’idea fino a quando hai iniziato la produzione, quanto tempo è passato? Quanto ci hai lavorato?

Parecchio. L’idea mi è venuta al liceo, si è tutto sviluppato da un sogno: mi ero interrogato su ciò che si vede nel sogno, che importanza ha, se può avere fondamenta reali oppure essere stimolo o provocazione del proprio inconscio. Quando ho pensato di fare il film, inizialmente volevo girarlo in una provincia del Lazio, qualsiasi provincia ha una storia di marginazione, un po’ di provincia per me si può trovare ovunque. A modo mio l’ho trovata a Roma, anche nel mio giro.

Quando ero pronto a girare Labirinti, volevo girarlo d’estate perché c’era la sagra vera del paese che vediamo nel film, però era l’anno del Covid; perciò, la produzione è stata rimandata di quattro anni, fino al 2022 quando hanno riaperto le sagre. Nel frattempo, ho messo da parte i soldi, perché il film è autoprodotto, e ho deciso di passare dal corto al lungo, quindi questo ha aiutato anche a farlo crescere.

Stai distribuendo da solo il film: quali difficoltà hai trovato?

È difficile riuscire a programmare un tour come farebbe una distribuzione canonica, quindi magari durante una, due settimane, massimo un mese si gira l’Italia e si batte il chiodo finché è caldo. Invece così è un po’ più difficile. Però in realtà a me sta piacendo perché si crea un passaparola e sto facendo sempre cose un po’ più grosse: quindi cinema sempre più belli, sempre più gente, sempre più pubblico, che magari prima erano più amici invece ora sono proprio sconosciuti.

Io non sono ancora nessuno, la mia è un’opera prima, non c’è nessun appeal di pubblico, è un film autoriale che è andato a Venezia, ma non ci sono attori famosi, io non sono famoso e vedere che comunque c’è riscontro è super gratificante.

Però la difficoltà più grande è questa, non è facile prenotare una data, perché magari te la danno dopo mesi e mesi oppure salta. Però per il resto ho trovato grande apertura, ho contatto i cinema sul sito, li ho chiamati e praticamente tutti l’hanno fatto proiettare, quindi c’è sia apertura delle sale sia del pubblico cinefilo.

Come mai hai scelto la Calabria come ambientazione?

Perché conoscevo già il paese, era quello di mio padre, ma anche perché, osservando durante la stessa gestazione del film, gli aspetti che volevo trattare lì erano molto più pesanti, sono molto ancora da sviscerare, affrontare e scavare. L’omofobia, la cultura, gli studi: i ragazzi non sono interessati, c’è la paura del diverso che è chiusura, una paura non solo violenta ma anche di andare a vedere qualcosa di nuovo perché chissà cosa succede.

Come l’andare a Roma di Francesco.

Sì, oppure come dice Mimmo sulla Panda quando parla “sì, ci posso andare un giorno, la guardo, questa cosa però mi non interessa e torno nel mio comfort zone” e quindi per me era il luogo perfetto per affrontare il film.

L’ambientazione fa da cornice, dà il senso di isolamento e divisione dal resto del mondo. I ragazzi non leggono, magari vedono male chi sta studiando come Francesco. Puoi parlarmi di questo contrasto, tra una persona che sta cercando di aprirsi e un Mimmo che rimane fermo nelle radici del paese.

Una cosa sottile che mi interessa far notare è che per me Mimmo, che è sia il migliore amico coprotagonista ma anche antagonista, racchiude tutti i luoghi comuni negativi. Quando c’è il momento di scontro tra i due ragazzi, Mimmo parla sulla Panda della Golf, insistendo sul comprare quella macchina la scena successiva lo mostra è dal padre meccanico e si vede che a lui delle macchine non frega nulla. Nella mia mente, nella mia scrittura è un dettaglio per raccontare che Mimmo è anche vittima dei luoghi, magari è uno che avrebbe pure l’intenzione di fare qualcosa altro, però è schiacciato ed è meno coraggioso.

Francesco è quello coraggioso, anche se sembra quello più introverso, timido, spaventato, ansioso, depresso, in realtà è quello che poi ha le palle di prendere e andare a studiare e seguire la sua strada. Invece Mimmo è molto più fragile internamente.

Mi sembra che Mimmo non riesca ad uscire dal circolo vizioso in cui si trova, come si vede nella scena in cui vanno a fare le impennate con le moto e offre di fumare ai ragazzini.

Per me quella scena con i bambini serve proprio a quello, far vedere che Mimmo, nel momento in cui Francesco è andato via, cerca di far rimanere nel paese i bambini. Osservando ho notato che rimanendo nel paese ci sono pochi ragazzi della tua generazione, quindi esci con le compagnie più piccole e vedi quello di 30 anni con quello di 12 con l’apparecchio che giocano a bigliardino, no? Questo ti dà l’immagine della solitudine e della paura egoistica di Mimmo, il suo pensiero è “non voglio rimanere solo”, non che Francesco rimanga, è una scelta egoistica di preservazione.

Uno degli aspetti che ho apprezzato è che usi come scansione temporale la festa di San Francesco da Paola e volevo sapere il motivo di questa scelta.

Quello che volevo rappresentare è la ciclicità del tempo, come anche questa cosa dei ragazzi che hai colto, cioè che inizialmente si vedono loro che tirano i sassi e poi ci sono le nuove leve da svezzare con Mimmo. Volevo dare un’immagine mitologica, sacrale alla sagra, ma anche simbolica del passare e non passare del tempo, dove è quasi tutto uguale. L’establishing shot del paese lo mostra costretto in mezzo al nulla, in una realtà sempre uguale anche a distanza di anni. Per me è importante far trasmettere questo senso: mentre in una città il tempo passa troppo veloce, sembra che tutto cambi in ogni strada ogni settimana, lì invece rimane tutto uguale.

Nel passaggio degli anni mostri sempre un po’ di più della sagra, oltre all’aggregazione se ne vede anche la religiosità. E qui arriviamo alla frase “questo è il mio corpo offerto in sacrificio per voi”. Si crea una sovrapposizione tra Francesco e la figura di Cristo e spingi molto sul concetto del corpo, che in Francesco è puro in contrasto a un Mimmo già indirizzato verso la sessualità. In un film che parla anche della presa di coscienza della sessualità, come mai hai voluto porre questa connotazione religiosa su Francesco?

Per quanto riguarda il corpo e l’esplorazione in maniera pura, volevo partire da una situazione interrogativa o comunque scandalosa e problematica, il sogno che fa pensare “forse potrei essere omosessuale”. In Francesco come nel paese c’è una situazione di stallo nel tempo, si trova in una situazione di difficoltà perché è molto diverso dai ragazzi che lo circondano, rappresentati da Mimmo, già presi da chiare pulsioni sessuali. Quando ci sono quelle inquadrature in cui si vede il suo corpo, è come se lui lo stesse studiando e lo guarda come a distanza in modo puro. Quando va a vedere il libro di anatomia, il corpo prende forma in modo scientifico e asettico e non sessuale, questo è un po’ il suo rapporto in quel momento di ricerca sulla sessualità.

La parte sacra andava un po’ insieme. Francesco potrebbe essere quasi un’icona, quasi sacro e un martire, c’è questo parallelo tra la sua sessualità, vedere il suo corpo in modo puro e immacolato, e la religiosità di quello che lo circonda.

Volevo cercare di fare qualcosa di un po’ sacro, un po’ mitologico simbolico, senza cercare di dare troppa connotazione temporale alla storia, non ho voluto far vedere niente di tecnologia, parlano di iPhone ma non è chiaro quando sia ambientata la vicenda, volevo creare questo limbo, questo fluttuare nel tempo, senza dare una specifica anche per raccontare qualcosa in modo più universale.

Parlavamo della simbologia, Francesco entra dentro il fuoco, è una fenice che rinascerà dalle ceneri delle fiamme in modo liberatorio, in contrasto ma in realtà in dialogo con l’isolamento del labirinto: senza avere quell’isolamento, prima di entrare dentro il labirinto, non sarebbe mai arrivato a quel fuoco.

Diciamo che è simile il rapporto, perché Francesco parte avvertendo le situazioni come ansiose, pericolose e provanti, ma diventano poi luoghi a lui amici. Il labirinto, il bosco, diventa un posto dove sta tranquillo. Il fuoco dà dualismo, da una cosa che ti può fare male, bruciare e distruggere lo protegge e lo riscalda, lo accoglie. Inizia come rapporto ostico, poi diventa uno stimolo, da tutte le difficoltà nasce qualcosa di bello. Inizialmente vede i problemi come negativi, ma i traumi più difficili che viviamo sono quelli che ci formano.

Il rapporto tra sogno e realtà è centrale. Se all’inizio si può percepire una distanza tra il sogno e il reale, pian piano questo confine inizia a essere molto labile, le due parti parlano l’una con l’altra. Come hai lavorato per renderlo visivamente?

Seguendo lo stesso processo del labirinto e del fuoco, inizialmente abbiamo usato una macchina a mano sporchissima con tante sbavature, un approccio quasi documentaristico e poi invece nei sogni si ha la macchina fissa, inquadrature più estetiche e man mano si intersecano e finiscono con un approccio quasi uguale. Volevo raccontare il processo di essere più abbracciato da questo mondo di decisioni piuttosto che respinto.

Dal punto di vista recitativo uguale, per me le scene dei sogni di realtà erano trattate allo stesso modo, per me gli attori devono agire e reagire in quello che vivono veramente e per me la messa in scena più grande è far dimenticare a tutti che si sta guardando un film: questo per me è il realismo magico. Creare un patto tra il film e lo spettatore, che qui mostra un altro stato di coscienza. Infatti, mi piacciono tantissimo i film della Rohrwacher o Apichatpong.

Come ultima domanda, volevo sapere se c’è qualche progetto nuovo a cui stai lavorando.

Sono ancora in fase di pensiero, tanti mi dicono dovrei fare subito un altro film, però io voglio che nasca naturalmente come è stato anche Labirinti. Non voglio snaturarmi, voglio fare qualcosa che sento tanto quanto questo film. Non voglio dire “ok, adesso devo fare un film”, ma voglio arrivare a dire “voglio fare questo film”.

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Giovanni Pascoli è uno dei capisaldi della letteratura italiana, figura chiave del canone del secondo Ottocento e del primo Novecento: insomma, quel poeta che tutti abbiamo incontrato nel corso degli studi liceali, che tutti abbiamo dovuto studiare. Giuseppe Piccioni in Zvanì lo presenta con un occhio diverso, pone da parte quella figura di magister poetico – nonostante rimanga sempre ad accompagnare ogni passo della sua vita – per concentrare l’attenzione sui rapporti lo hanno segnato. “Un romanzo famigliare” recita il titolo e famiglia è la parola chiave: la morte del padre è il punto di partenza della difficile e travagliata vita interiore di Pascoli, di un uomo che cercherà la verità sull’omicidio, di un uomo che comporrà il X agosto – il più arduo San Lorenzo, di un uomo che – una volta incontrato il socialismo universale – si ergerà lui stesso a figura di padre per le sorelle.

Giovanni Pascoli, sotto la regia di Piccioni, diventa umano nel suo essere più interiore, nei suoi errori, nel suo rapporto morboso con le sorelle. Mostra il concetto di nido così legato alla sua poetica trasposto nella realtà quotidiana. In Zvanì, Pascoli si fa uomo, non solo grazie alla regia di Piccioni, ma anche alla magistrale interpretazione di Federico Cesari, che con quella soffice voce riesce a mostrare con ogni sillaba l’umanità, il dolore, la gioia di un individuo che nei testi scolastici odierni ha perso tutto ciò.

Il poeta romagnolo rompe lo spazio e il tempo, è una fotografia immortale e come tale Piccioni lo rappresenta negli incontri decisivi della formazione: il socialista Andrea Costa, il letterato Gabriele D’Annunzio, le sorelle, la famiglia – con tutti loro rivolge lo sguardo in camera, posa e click. La foto è stata scattata, il momento immortalato.

Zvanì è un film necessario da accompagnare alla lettura e allo studio di Giovanni Pascoli, di una poetica così inscindibile dalla vita privata, un arricchimento ed esplorazione dell’uomo dietro il poeta.

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La prima notizia è il Cine Quiz organizzato da Milanoinsala, una serata da passare insieme in cui potrete mostrate la vostra conoscenza cinematografica e vincere fantastici premi! Il Cine Quiz si svolgerà sabato 18 ottobre dalle ore 18:30 al Citra Beerstrot di Piazza Carlo Donegani 4, l’ingresso è gratuito ma chiediamo di registrarsi su Eventbrite.

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Ora veniamo agli incontri e ai festival di ottobre! Si inizia presto, già dall’1 ottobre al Cinema Beltrade potrete incontrare Giuseppe Carrieri, regista di Libro delle Ombre, Hiroshima 80 anni dopo (h. 20). Il 6 ottobre è la volta di Sandro Tortorella con Discesa Libera a CityLife Anteo (h. 20). Invece, il 9 ottobre arriva Giulio Donato che presenta la sua opera prima, Labirinti, all’Anteo Palazzo del Cinema (h. 19:40). Per ora concludiamo con Silvio Soldini, che sarà il 20 ottobre all’Anteo Palazzo del Cinema per presentare Pane e tulipani (h. 21:15).

Per quanto riguarda i festival, invece, si inizia dal 9 ottobre con Offside Film Festival, dedicato al calcio e alla cultura calcistica. Si continua dal 10 ottobre con Locarno a Milano, che anche quest’anno porterà i film presentati in Svizzera nel capoluogo meneghino, e dal 12 ottobre con AI Motion Festival, festival del cinema e dell’audiovisivo con l’Intelligenza Artificiale. A questi si aggiungono dal 17 ottobre Mutafest, dedicato alle culture, alle letterature e alle arti nate sulle sponde del Mar Mediterraneo; dal 24 ottobre SOUQ Film Festival, concorso cinematografico internazionale di cortometraggi promosso dalla Fondazione Casa della Carità “Angelo Abriani”; e, infine, Agenda Brasil - Festival Internazionale del Cinema Brasiliano dal 30 ottobre.

Non perdete d’occhio la pagina Instagram di Milanoinsala per tutti i futuri aggiornamenti!

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Le vie del cinema arriva a Milano dal 25 settembre al 3 ottobre. In questa occasione potrete guardare film provenienti dalla Mostra di Venezia, dai festival di Cannes e Berlino, il vincitore del Milano Film Fest e, nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, i corti premiati alla 20esima edizione di Cortinametraggio.

Tramite Milanoinsala potete acquistare una Cinecard promozionale al costo di 20€ valida per quattro ingressi (due in coppia o quattro singoli). La Cinecard da sola non consente l’ingresso in sala. Per accedere alle proiezioni è necessario scaricare i iglietti per i film scelti. Numero abbonamento e pin sulla Cinecard servono per riservare online i posti seguendo la procedura indicata di seguito.

Acquista la Cinecard qui

Dalle ore 14 di martedì 23 settembre la Cinecard potrà essere utilizzata per riservare i propri posti in sala sul sito leviedelcinema.lombardiaspettacolo.com.

Il programma

Programma completo

Come sempre ampio spazio della rassegna è riservato alla Mostra di Venezia appena conclusa a partire dal Leone d’Oro Father Mother Sister Brother di Jim Jarmusch, l’acclamato Leone d’Argento - Gran Premio della Giuria The Voice of Hind Rajab di Kaouther Ben Hania, i vincitori della Coppa Volpi per la Miglior Attrice Xin Zhilei The Sun Rises on Us All di Cai Shangjun e del Premio per la Migliore Sceneggiatura À pied d’oeuvre di Valérie Donzelli, ma anche A House of Dynamite di Kathryn Bigelow, Frankenstein di Guillermo Del Toro, Jay Kelly di Noah Baumbach, Bugonia di Yorgos Lanthimos, The Testament of Ann Lee di Mona Fastvold e No Other Choice di Chan-wook Park.

Dal Festival di Cannes arrivano in anteprima Jeunes mères di Jean-Pierre e Luc Dardenne, Two Prosecutors di Sergei Loznitsa, Le città di pianura di Francesco Sossai e Classe moyenne di Antony Cordier. Dalla Berlinale l’Orso d’Argento per la Migliore Sceneggiatura Kontinental ’25 di Radu Jude.

Gli incontri

• La regista Carolina Cavalli assieme agli attori Benedetta Porcaroli e Marco Bonadei presenteranno Il rapimento di Arabella, venerdì 26 settembre alle 21.30 all’Ariosto Anteo spazioCinema;

• Il regista Gianluca Matarrese presenterà Il quieto vivere, sabato 27 settembre alle 18.00 al Cinema Beltrade;

• Claudio Santamaria presenterà il vincitore del Milano Film Fest, Aimer perdre, lunedì 29 settembre alle 19.30 al Colosseo Multisala;

• la regista Tekla Taidelli presenterà 6:06, lunedì 29 settembre alle 21.30 al Cinema Beltrade;

• il regista Virgilio Villoresi presenterà Orfeo, giovedì 2 ottobre alle 21.30 all’Arcobaleno Filmcenter.

Cinema in festa

Anche per il 2025 le vie del cinema aderisce a Cinema in festa, per la sola giornata di giovedì 25 settembre gli spettatori potranno sia utilizzare le cinecard online che acquistare, online e alle casse dei cinema, i singoli biglietti a tariffa agevolata.

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Agosto è stato un mese carico di uscite, dal cinema più mainstream a quello d’autore, dall’horror alla commedia. Di alcuni di questi film ve ne abbiamo già parlato, come per l’ultimo horror di Zach Cregger, Weapons o L’ultimo turno di Petra Volpe o ancora Warfare di Alex Garland e Ray Mendoza uscito proprio in questi giorni. Di altri ve ne racconteremo prossimamente, non perdete d’occhio il nostro sito o la nostra pagina Instagram dove troverete tutti gli ultimi articoli!

Incontri e festival

Ma ora veniamo alle anticipazioni di settembre! Continuano le arene estive del cinema all’aperto e il 24 agosto potrete incontrare Francesco Costabile, regista di Familia, alle Sere dei Mercanti o l’11 settembre potrete assistere a Felix, Dare to dream con gli autori Morgan Bertacca e Valerio Bariletti all’AriAnteo CityLife.

All’Anteo CityLife arriveranno Marianna Sciveres con L’acqua fresca l’1 settembre e Louis Nero con un doppio appuntamento per Milarepa il 14 settembre (entrambe le proiezioni saranno accompagnate da una meditazione collettiva).

Leggi qui la nostra recensione di Milarepa

Dal 5 al 7 settembre torna per la decima edizione Fuoricinema, che si svolgerà alla Biblioteca degli Alberi, e negli stessi giorni all’Anteo ci sarà anche Milan Shorts Film Festival, di cui Milanoinsala quest’anno è partner. Il programma per entrambi i festival verrà pubblicato a breve.

Anche il cinema documentario trova spazio in città con Visioni dal Mondo, che si svolgerà dall’11 al 14 settembre per la maggior parte al Teatro Litta e alla Cineteca Arlecchino e in minor parte al Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci per la sezione dedicata al cinema VR. Trovate il programma completo qui.

Infine, torna per la seconda edizione il cinema indipendente di 35mm Film Festival dal 27 al 28 settembre al Wanted Clan.

Le uscite di settembre

• Material Love di Celine Song - 4 settembre

• Un film fatto per Bene di Franco Maresco - 4 settembre

• Il mio amico pinguino di David Schurmann - 11 settembre

• Duse di Pietro Marcello - 18 settembre

• Honey Don’t di Ethan Coen - 18 settembre

• Una battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson - 25 settembre

• Tutto quello che resta di te di Cherien Dabis - 25 settembre

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Iraq, 2006. Gli Stati Uniti del presidente George W. Bush hanno invaso il territorio iracheno, siamo nella seconda Guerra del Golfo in una lotta contro il terrorismo. Obiettivo: deporre Saddam Hussein e ricercare armi di distruzione di massa. Questo è il grande mondo in cui vengono catapultati i protagonisti di Warfare – Tempo di guerra di Alex Garland, ricostruito dai ricordi di chi l’ha vissuto: due plotoni di soldati americani si dividono tra le strade, il primo occuperà una casa, il secondo un altro territorio non troppo distante. Entriamo nella casa con il primo plotone, iniziamo a riconoscere tra loro quei volti mostrati all’inizio davanti a un video di aerobica anni ’80: ecco il comandante, il mitragliatore, il cecchino che osserva i movimenti nella strada davanti a sé, chi si occupa delle comunicazioni.

Tutti hanno il loro ruolo, sono attenti, ma nonostante ciò una granata li sorprende e da qui il tono di tranquillità, di quiete prima della tempesta che aveva caratterizzato il film inizia a dissolversi: hanno un ferito, non è grave, ma devono evacuarlo. Un’altra esplosione quando cercano di portare il ferito sul Bradley li getta nel caos più totale: un caos non solo fisico, perché i feriti aumentano e ne aumenta anche la gravità, ma soprattutto mentale, di stordimento, di paura, di consapevolezza che la morte è davvero dietro l’angolo. Difficoltà a parlare, a restare concentrati, mani che tremano, suoni ovattati.

Un magistrale esempio delle conseguenze sull’uomo della guerra, che a livello tecnico non trova rivali. Il suono di Glenn Freemantle si fa vero protagonista: magistrale, immersivo, rende la tranquillità, la caoticità e la sopraffazione con una crudezza così tangibile da far temere di trovarsi realmente all’interno dello scontro. Eppure, si presenta come caso isolato all’interno di un film che altro non ha: una storia vera che senza il sonoro non avrebbe dignità filmica. Nonostante il suo cast – Will Poulter, Charles Melton, Cosmo Jarvis per citarne solo alcuni – Warfare non riesce a dare tridimensionalità ai suoi personaggi, lasciando che siano passanti labili della loro stessa storia.

Non è semplice etichettare Warfare, difficile porsi la domanda se ci si trovi di fronte a un film pro o contro la guerra. Fino ai titoli di coda viene mostrato un accerchiamento, la ricerca disperata di salvarsi e rimanere aggrappati alla vita da parte dei Navy SEAL, l’eroicità americana di salvare il proprio compagno di plotone nonostante tutto intorno a sé stia crollando, sia a livello fisico che mentale. Eppure, in un angolo ecco apparire quelle due famiglie irachene che in quella casa ora occupata e ora completamente devastata ci vivevano; e in un altro ecco invece la guerriglia irachena grande nemico statunitense che si riappropria della strada, della città invasa.

Fin qui niente di così strano: Garland e Mendoza hanno creato un film che pone come protagonista la Guerra, mostra la sua realtà e crudeltà, il prezzo umano da pagare, in linea per di più con un discorso iniziato già con Civil War (2024). Un discorso comunque marginale in Warfare e che lo diventa ancora di più alla chiusura del film: Per Elliot. Non sorprende che una pellicola tratta dai ricordi reali dei Navy SEAL che hanno vissuto l’operazione venga dedicata a uno di loro, ma quando a questo si aggiunge un footage delle riprese, le reali immagini dei soldati, la scena si ribalta . Il film non appare più antiguerra, ma propaganda, elogio dell’eroismo americano. Un elogio eroico della guerra… chissà mai come potrà essere strumentalizzato nell’America di Donald Trump.

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È possibile racchiudere in un’ora e trentadue minuti di film tutta la frenesia, l’ansia e la tensione che si prova durante un turno da infermiera? Evidentemente sì perché Petra Volpe con L’ultimo turno l’ha fatto, portando sullo schermo una testimonianza potente sul tema della mancanza di personale ospedaliero, un problema che tocca tutt’Europa. La pellicola segue la giornata lavorativa di Floria, un’infermiera di un ospedale di Zurigo che si ritrova a gestire insieme a una sola altra collega un numero altissimo di pazienti, trovandosi costantemente in lotta contro il tempo e con la pressione di aver tra le proprie mani diverse vite.

La grande forza di quest’opera sta nel fatto che tutto ciò che la compone è strutturato come un grande crescendo, più la vicenda prosegue più le problematiche dei pazienti diventano grandi e difficili da gestire: si parte da una semplice cistifellea fino ad arrivare a dover trattare un tumore al pancreas. Vediamo Floria sempre più nervosa, la sua tensione ci arriva senza filtri, la percepiamo attraverso il suo strofinarsi delle mani per sanificarle, il suo respiro affannoso, il tremolio quando si trova a dover versare nel misurino l’ennesimo analgesico della giornata, ma soprattutto nel suo continuo obbligo a dover accettare ogni tipo di critica dai pazienti, la maggior parte dei quali non accetta il fatto non essere considerati una priorità.

Floria si porta dietro lungo tutta la durata del film una fortissima pressione e noi spettatori la sentiamo insieme a lei, pressione che ha chiaramente una ricaduta personale sulla protagonista, la quale non solo deve lottare contro il tempo e le problematiche che le si presentano davanti, ma anche di fronte ad una sfida legata sua capacità di essere all’altezza della situazione in ogni momento della giornata, senza nessun margine di errore.

Anche il lato formale del film è un crescendo continuo, così come i movimenti di macchina cambiano, passiamo dai piani sequenza “puliti” e ordinati della prima metà a quelli più turbolenti della seconda frazione (dove balza all’occhio il tremolio della ripresa). Pure il lato cromatico del film muta, in partenza presenta dominanti colori caldi (con la costante del tipico verde acqua che domina l’ambiente ospedaliero come contrasto) che vanno via via a perdersi diventando sempre più scuri con l’avanzare della giornata fino a raggiungere la cupezza cromatica del finale del film. Tutte queste trasformazioni sono accompagnate da una sempre minore profondità di campo, scelta che segue la progressiva alienazione della protagonista nei confronti di ciò che la circonda.

Un grande plauso va fatto al corpo attoriale: L’ultimo turno è un dramma che si appoggia molto sull’interpretazione dell’ottima Leonie Benesch nei panni di Floria; tuttavia, tutto il cast riesce a ritagliarsi il giusto ruolo nell’economia del film, a partire da Jürg Plüss il quale interpreta lo scorbutico paziente con la sadica ossessione per la velocità di soccorso di Floria, grazie al quale il film tocca uno dei punti più alti a livello drammatico.

Per concludere, possiamo considerare L’ultimo Turno un ottimo esempio di come conciliare il cinema d’inchiesta a una messa in scena estremamente dinamica e repentina attraverso una regia ordinata e attenta, non cadendo mai nell’eccessiva retorica tipica delle pellicole che trattano l’argomento in questione. Al contrario, se ne può parlare come di un film che riesce a mantenere una certa distanza rispetto al tema che tratta portando lo spettatore al centro dell’azione, riuscendo nel grande intento di sensibilizzare grazie ad un’arma molto difficile da usare: l’immedesimazione.

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Diciassette sono i bambini scomparsi in una tranquilla e monotona cittadina della periferia statunitense. Tutti studenti della medesima classe, tutti usciti dalle case dei genitori alle 2:17 di notte per non farvi più ritorno. Un mistero che ingloba l’intera cittadina: la polizia si adopera alle ricerche, arriva la squadra cinofila, genitori straziati dal dolore, una scuola chiusa per settimane. E in tutto ciò, di quella classe, sono rimasti solo in due: l’insegnante Justine Gandy e Alex Lilly, l’unico alunno.

Il regista Zach Cregger, affrontando la storia attraverso l’espediente dei diversi punti di vista, imprime sullo schermo la metafora sull’ambiente culturale americano moderno, in linea con le tendenze di genere dell’horror. Un ambiente contrassegnato dalla sfrenata e incontrollata vendita di armi, con vere conseguenze anche e soprattutto sui bambini: sono le scuole a ospitare il maggior numero di queste sparatorie. In Weapons, vengono presentati uno dopo l’altro gli elementi distintivi di situazioni del genere: bambini che scompaiono per sempre, trauma che porta alla perdita dell’uso della parola, la ricerca di un motivo, scuole chiuse, utilizzo delle telecamere di sicurezza per ricostruire l’accaduto (qui più precisamente quelle delle case), come in Bowling for Columbine (2002) di Michael Moore…

Continua a leggere qui.

Innanzitutto un piccolo riassunto di giugno: vi abbiamo parlato di diversi incontri e film. Abbiamo intervistato il regista Louis Nero e l’attrice Diana Dell’Erba in occasione dell’uscita di Milarepa e avuto l’occasione di vedere Tre Amiche di Emmanuel Mouret. Nell’ambito della prima edizione del Milano Film Fest abbiamo partecipato all’incontro con il critico Pier Maria Bocchi e, infine, abbiamo incontrato Alessio Boni che con Lo sguardo dell’altro ha illustrato il lavoro dell’organizzazione umanitaria CESVI. Altri due incontri particolarmente cari sono stati quelli con il montatore Joe Walker e con il regista Brady Corbet in Cineteca.

Ma ora veniamo a luglio. Continua anche per questo mese il cinema all’aperto di moltissime realtà, da Nuovo Cinema Diffuso, all’Arena Milano Est, all’Anteo nella città, alle Sere dei Mercanti e CineMare a Mare culturale urbano. Prosegue anche la rassegna Donne sull’orlo al BiM.

Per quanto riguarda gli incontri, il 2 luglio a CityLife Anteo e al Multisala Eliseo il regista Pier Paolo Paganelli incontra il pubblico per il suo Incanto. Il 4 e 6 luglio è la volta di Joshua Oppenheimer, che arriva prima al Cinema Beltrade e poi all’Anteo Palazzo del Cinema per presentare di The End, il suo nuovo film con Tilda Swinton e George McKay. Il 7 luglio è la volta di Giulio Base e Francesco Centorame all’Anteo Palazzo del Cinema con Albatross. Infine, Ado Hasanović e Iosonouncane incontrano il pubblico del Cinema Beltrade per I diari di mio padre il 7 luglio.

Per i festival ne arrivano tre dedicati ai cortometraggi: il primo appuntamento è a Villa Litta dall’1 al 6 luglio con Short Out, il secondo è a BASE Milano dal 3 al 6 luglio con Vertigo Film Fest e il terzo è all’Anteo Palazzo del Cinema dal 10 all’11 luglio con Cortocircuito Film Festival.

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